Expresionismo Aleman

Expresionismo Alemán.Su comienzo
Es una corriente artística que apareció en los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX como una reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.

Deberíamos remontarnos a los acontecimientos ocurridos en esa época para poder comprender su nacimiento. La Historia del Siglo XX aparece indefectiblemente bañada de negatividad. Hay quienes lo recuerdan como el siglo más terrible de la historia, otros lo consideran un siglo de matanzas y de guerras". Dumont dice que "ha sido el siglo más violento de la historia humana". En este contexto de negatividad surge el expresionismo, éste aparece como la primera manifestación o como la primera reacción, que testimonia el extrañamiento del mundo y la crisis que estaba atravesando el positivismo. Pues, como dice Hobsbawm, con la Primera Guerra Mundial comienza el derrumbe de la civilización occidental del siglo XIX, "una civilización que era capitalista desde el punto de vista económico, liberal en su estructura jurídica y constitucional, burguesa por la imagen de su clase hegemónica característica y brillante por los adelantos alcanzados en el ámbito de la ciencia, el conocimiento y la educación, así como del progreso material y moral." Y en este panorama el expresionismo aparece ineluctablemente como uno de los primeros movimientos de vanguardia que ha articulado estéticamente este comienzo de crisis en la apertura violenta del nuevo siglo.

Es sobre el presupuesto de crítica y oposición al positivismo que se proyectan las líneas de fuerza de los expresionistas. Si para los impresionistas la realidad era un dato exterior que estos pintores intentaban captar desde un pretendido efecto óptico (con el famoso golpe de vista) para los expresionistas la realidad era algo que había que experimentar desde la más profunda interioridad, y así apelaban a vivencias corporales y emocionales del mundo más que a su captación por el ojo. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna. Así los autores en sus obras elegían algunos de los temas que consideraban más representativos de sus sentimientos, generalmente eran emociones relacionadas con la repulsión como muerte, angustia, tortura, sufrimientos.

El expresionismo alemán en el cine.

El expresionismo, no sólo dominó a las artes plásticas, a la música y a la literatura, sino que también estuvo presente en la mayoría de las producciones cinematográficas alemanas de esa época. En ellas preponderaba lo subjetivo que afloraba todo el universo mítico y fantástico a través de las formas y de las imágenes que reflejan un estado espiritual de angustia. Ella es la respuesta hacia un entorno que se muestra hostil, al cual el hombre no puede integrarse.

Algunos ejemplos…

El primer antecedente del expresionismo en el cine es “El estudiante de Praga” de Paul Wegener.
Expresionismo

Expresionismo, corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.
El arte expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

En pintura buscaron mostrar sus aspectos mas atormentados mediante el uso de colores agresivos, la convulsión de las líneas, los colores manchados, las formas disgregadas, las líneas fracturadas, contorsionadas, ondulantes.

Sintieron que el mundo se deshacía a sus pies, advertían los síntomas proféticos y proyectaban sobre el mundo exterior su vivencia de angustia.

En la literatura también significo una renovación de formas, se puso énfasis en las deformaciones que sufre el ámbito objetivo como consecuencia de estados anímicos o perturbaciones íntimas. Se busco el significado esencial de las palabras, lo que hizo que se tendiera a la síntesis, la economía verbal y a la ausencia de nexos lógicos.
Los objetivos de los expresionistas en el campo de la literatura, particularmente en la novela y el teatro, respondieron a las mismas características que las artes plásticas. Los personajes y las escenas se distorsionaban intencionalmente para producir un fuerte impacto emocional. Un claro ejemplo de la literatura expresionista alemana fue Franz Kafka.

El teatro expresionista también introdujo nuevas formas de representación, puesta en escena y dirección. El objetivo consistía en crear un cuadro escénico globalizado que incrementara el impacto emocional sobre el público.

La pintura y el teatro expresionistas también influyeron en el cine como se aprecia en “El gabinete del Dr. Caligari” y en “Nosferatu, el vampiro”, con sus perspectivas distorsionadas y sus rostros mascarados.

La música expresionista, que alcanzo su apogeo en el periodo de entre guerras, busco la expresión de las ansiedades, los terrores ocultos y el cinismo de la sociedad contemporánea. Para ello empleo composiciones cuidadosamente estructuradas y emocionalmente intensas, deformando las técnicas convencionales y remplazando las armonías tradicionales por otras más complejas y disonantes. La música es a menudo a tonal o producto de la distorsión, la polifonía es con frecuencia desnuda, y la melodía, prácticamente irreconocible.

Características técnicas de las películas expresionistas


La escenografía:

Como las películas se filmaban íntegramente en estudios, se utilizaban decorados pintados para ambientarlas.

En “El gabinete del doctor Caligari” (1919) de Robert Wiene, la escenografía adquiere trascendencia. Realizada con un sentido planimétrico, las calles y perspectivas no tienen profundidad real, sino que esto se logra mediante un telón de fondo que representa la prolongación de las callejuelas mediante líneas onduladas. No se respetan los ejes verticales, se transforman los interiores de exteriores en un marco inestable a punto de desintegrarse, con un movimiento que no es real pero si psicológico dado por la gran cantidad de direcciones diagonales. Las curvas inesperadas provocan una reacción psíquica distinta del que provocarían las líneas de corte armónico.

Mediante estas deformaciones de los planos escenográficos, el expresionismo alemán buscaba representar la complejidad psíquica con intensidad. Fueron varias películas en las que se desarrolló esta artificialidad en las escenas: “Genuine” y “Desde el alba a medianoche” de K.H. Martín y “Turgus” de H. Kobe.

Las excepciones son “Nosferatu” de Murnau y “Metrópolis” de H.Lang, ya que estas también realizaron filmaciones en ambientes naturales.

La iluminación

Las experiencias de iluminación llevadas a cabo por Mac Reinhardt en sus puestas teatrales fueron asimiladas por los directores de cine expresionistas y le dieron a las películas un sello muy particular a partir de la elaboración del claro oscuro, que es el contraste acentuado de luces y sobras; consiste en subrayar y destacar con exceso el relieve y contorno de un objeto a las molduras de un decorado.

Los decorados se iluminan en la base, para acentuar el relieve deformado y transformado mediante una reunión de líneas. Para la iluminación se dispone de grande proyectores sobre los costados de los decorados, para eliminarlos en forma oblicua y aclarar violentamente la arquitectura o producir, con ayuda de las superficies salientes, esos estridentes acordes de luces y sombras.

Esta aplicación la encontramos en películas como “Humunculus” (1916) de Rippert y Neuss, en “Metrópolis” y La muerte cansada (ambas de Lang), donde se encuentran todos los contrastes en blanco y negro, los choques de luces y sombras.

El paisaje natural y el estudio

Como para los alemanes es imposible separar al hombre de la naturaleza, optaban por construir paisajes artificiales, para poder hacer uso de la iluminación para construir personajes y objetos. Existen vínculos profundos entre los paisajes y los seres humanos, esto se convierte en un factor dramático.

El expresionismo construye su universo, Lang comprendió que no se puede eliminar la naturaleza, sin embargo crea abstracciones y por ello volvió al paisaje expresionista para componer su jardín de los ricos en “Metrópolis”.







Hay una excepción notable a esta tendencia y es la que se da en el filme “Nosferatu”, donde contrariamente a lo que sucedía en la mayor parte de las películas de la época, los paisajes y las vistas de la ciudad o del castillo se rodaron al aire libre.

Los personajes

Hay una influencia directa de la literatura romántica en el delineamiento de los personajes, donde se caracterizan por su ambigüedad y desdoblamiento. En todas las películas se encuentra la temática del amor; como este transforma a los individuos y les causa sufrimiento, de esta manera las películas nunca tienen final feliz.

Sus personajes son lúgubres, ocupan un lugar central en las películas a la vez que aquellos aparentemente siniestros se revelan como bastante inofensivos o viceversa.
El desdoblamiento, con características demoníacas es frecuente en las películas alemanas: “Caligari” es al mismo tiempo un charlatán en una feria como un eminente doctor, o el personaje de la muerte en “Una muerte cansada” figura como un viajero común y corriente en busca de un terreno en venta.

El vestuario

El vestuario es también, al igual que la iluminación y el escenario, un factor dramático para el cine expresionista alemán. Sus personajes visten capas y sombreros de copas. Se maquillan sus caras de blanco para dar la idea de mascaras, símbolo recurrente de los expresionistas al igual que sus manos extremadamente salientes o crispadas.
En numerosas películas se mueven personajes con ropas de la época en donde comienza la caída de Napoleón hasta 1848 aproximadamente.

La interpretación

Los personajes tienen movimientos abruptos y duros, quebrados a mitad de camino, que componen un rasgo habitual. Se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad.


Las sombras

El cine expresionista alemán supo sacar provecho de las sombras para connotar lo amenazante, el presagio siniestro o el destino implacable. De esta manera se convierten en símbolos. 

En la película “espectros” de 1916 la madre enloquecida que corre detrás de su hijo que delira, al pasar delante de cámaras encendidas, proyecta sombras intensas que se deslizan por las paredes de la escena evocando una persecución de demonios
También se utiliza para destacar el carácter de los personajes o dar sentido dramático a alguna escena; “cesare” de “el gabinete del doctor Caligari” al extender sus manos, proyecta su sombra sobre el muro.

Principales Obras


El estudiante de Praga

El primer antecedente del expresionismo es El estudiante de Praga, de Paúl Wegener. Es la historia del estudiante Baldwin que cede al hechicero Scapinelli su imagen reflejada en el espejo para obtener, a cambio, riquezas innumerables y a la mujer amada. Se muestran el “yo” codicioso que lo hace sucumbir a tentaciones diabólicas y el otro “yo” bueno, que el ha traicionado, revelando con ello el miedo del individuo ante la emergencia de sus deseos ocultos y haciendo que los alemanes se den cuenta que el cine puede ser el médium de excelencia de su angustia romántica.
Henrik Galeen hace la segunda versión (1926), acomodándose en el psicoanálisis y abandonando la ambigüedad de la primera.

El gabinete del doctor Caligari

Un paradigma  del cine expresionista Alemán fue El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene (1919), película que sentaría las bases de este movimiento llevado al cine. La película narra como dos amigos visitan una feria. En ella, un tal Dr. Caligari anuncia a alguien que es capaz de adivinar el futuro. Uno de los dos amigos le pregunta al vidente hasta cuando ha de vivir, a lo que el adivino (Cesare) le contesta que no pasará de esa noche. Efectivamente, el joven amanece apuñalado en su propio cuarto. El otro amigo comienza a investigar al adivino y al siniestro doctor para averiguar la verdad sobre lo ocurrido. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra.
Robert Wiene, el director, añadirá dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla el terrible doctor Caligari.
Será junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. Los críticos franceses acuñaron la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética.



El Golem

Mostrando la afición hacia los temas fantásticos que habrían de caracterizar al cine alemán de los ´20, Paúl Wegener protagonizó, reescribió, dirigió El Golem (1920). Se trataba de un muñeco hecho de barro al que un medallón mágico le hace cobrar vida para ayudar a los judíos en épocas adversas. Buena atmósfera dominada por la astrología y por la superstición y una explicación del porqué del fracaso de los judíos del ghetto de Praga para forjarse como una nación.

Nosferatu

Una de las películas cumbres del movimiento fue Nosferatu, de Friedrich Murnau. Se presentó en el zoológico de Berlín (1922), y a causa de la censura, se tuvieron que cortar algunas escenas consideradas macabras, hasta se tuvo que realizar una redición del filme original.

Es una adaptación furtiva del texto de Stoker (Drácula), al que sus creadores modificaron tanto el título como el nombre de sus personajes, pero ello no evitó que la viuda de Stoker les llevara a juicio por plagio y ganara; lo que obligó destruir las copias. Sin embargo ya se habían vendido algunas copias a EE.UU y a algunos países europeos, lo que permitió que la película sea popularizada recién el 1972, cuando sale por primera vez en video.

Murnau, respetando y a la vez renovando las claves estéticas del expresionismo germánico, consiguió plasmar la terrible personalidad del conde y sus inquietantes atributos: un cuerpo rígido, rostro decrépito, orejas de rata, cabeza calva, dos colmillos horripilantes y largas uñas.

La novela El Dr. Mabuse de N. Jaques, constituye la base de la historia de este genio del mal, llamado Dr. Mabuse, cuya imponente figura se convertirá en el antecedente fílmico de todas las grandes mentes criminales que han asolado las pantallas desde entonces.
El conde Orlock cambiara su residencia desde los Cárpatos a occidente. Para ello se procura al contable que lo visita para acompañarlo en su mudanza como un servidor. Una vez instalado, conoce a una joven, ya prometida, de quien se enamora. Comenzará a visitarla por las noches para ir bebiendo su sangre de a poco, y convertirla así en su esposa. Pero el malestar que sufre la joven alerta a su familia, que se contacta con el profesor Bulwer, quien tiene que enfrentarse con el mal encarnado en aquel conde.

Cosa destacable es, el que se presentase el vampiro, demás de cómo bebedor de sangre como portador de la plaga: aya por donde pasa Nosferatu estalla la peste negra con efectos aniquiladores. Para acentuar el aire de cosa impura y putrefacta, al vampiro se le ve a menudo rodeado de ratas. Cabe señalar la idea romántica de que el vampiro puede ser destruido si una mujer de corazón puro ofrece su vida haciéndolo quedarse junto a ella hasta que surja el sol y sus rayos desintegren a la bestia.


Metrópolis

Otro icono del movimiento, fue Metrópolis de Fritz Lang (1926). Esta película es una adaptación de una novela de la esposa de Lang (Thea Von Harbour), que hace referencia al asombro de este director cuando vio por primera vez los enormes edificios de Nueva York
La historia se desarrolla en el año 2000, cuando la acaudalada clase dominante vive en enormes rascacielos de lujo, mientras que los obreros esclavizados trabajan en una rutina de pesadilla debajo de la tierra. El héroe, Freder, es el hijo mimado de Fredersen, uno de los dirigentes ricachones. Freder se reforma cuando conoce a María, la más hermosa de los habitantes subterráneos. Él viaja de incógnito por este mundo escondido y se queda espantado de la vida que llevan, por lo que comienza de inmediato una campaña de reformas humanitarias. El malvado industrial Rottwang no puede permitir que esto ocurra, por lo que planea que los esclavos se vuelvan contra los reformadores. En su laboratorio iluminado por luces de neón, Rottwang, crea un robot a imagen de María concebido para ser un profeta que pierda a las masas. Después de una revuelta que destruye todo lo que encuentra a su paso y un a inundación subterránea de proporciones bíblicas el déspota Fredersen, ve la verdad y decide tratar a la clase trabajadora con justicia y compasión.
Metropolis fue concebida como una gran producción de 205 minutos. Con un rodaje de 2 años y con un presupuesto de más de 5 millones de marcos de la época, el filme se convirtió en el más caro de su tiempo y llevó a la ruina a la poderosa Productora nacional UFA.  Expresionismo hoy

La influencia del expresionismo ha llegado hasta nosotros a través de directores particularmente notables: Tim Burton es uno de ellos y hace guiones en la mayoría de sus producciones a la temática tan querida por los directores alemanes de los años veinte, terror, oscuridad, ambiente gótico, etc.

En Batman vuelve la estética está claramente influida por los clásicos del expresionismo alemán. La nueva Ciudad Gótica —donde nieva todo el tiempo— está constituida por monstruosas estructuras, dignas de Metrópolis (Fritz Lang, 1927). Un entorno con más de cuento de hadas que de film noir. Y el ambicioso magnate encarnado por Christopher Walken se llama Max Schreck, como el actor que hizo del vampiro en Nosferatu, una sinfonía de horror (Nosferatu, eine symponie des grauens, Friedrich Willhem Murnau, 1922).

Burton ha absorbido estas características de un modo indirecto, a través de las películas de terror que formaron parte de su educación sentimental. Ya hemos visto que ha reflejado a lo largo de toda su carrera su pasión por las películas de monstruos, el oscuro y fantástico mundo de Vincent Price y sus películas sobre textos de Poe y la estética del cine de la República de Weimar.

Las películas de Tim Burton recogen elementos de las distintas concepciones del gótico su obra se inserta en lo que es toda una tradición gótica. En Alemania, la acusada tradición gótica tuvo una especial continuidad, una manifestación más virulenta y adaptada a las nuevas circunstancias socioculturales, que recibió al llegar al siglo XX el nombre de expresionismo.

En Burton, ciertamente, convergen toda una serie de influencias a cuya lectura, necesariamente post moderna, podríamos denominar expresionismo gótico.
Se consideran el gótico y el expresionismo manifestaciones de un espíritu común cuya estética y posicionamiento vital se oponen a la actitud racionalista del clasicismo. En el caso del cine ambos términos acaban por confluir y son numerosos los teóricos que hablan indistintamente de cine gótico alemán y de cine expresionista.


Movimientos Dark y Gótico

El Movimiento Gótico: Iniciado en 1981 Londres en un club nocturno llamado la cueva del murciélago. Los seguidores del movimiento gótico, se visten de negro, con la cara pálida, labios y uñas negras, usan capas, son habitantes de la noche, quienes abrazan sacrilegios, rebeldes de toda religión, y muchos de ellos consumados poetas, artistas, músicos. El llamado movimiento gótico, se distingue por ser "contra cultural", y cuyos miembros se describen así: "almas lastimadas que se sienten desarraigados de la sociedad, se sienten solos de alguna manera". Los góticos celebran la muerte, incluyendo la muerte de la esperanza y la humanidad para nuestra cultura.

El Dark tuvo sus inicios en Francia en 1860 con un movimiento social encabezado por obreros y estudiantes. Se maquillaron la cara de blanco y se vistieron de negro para simbolizar la opresión que, según ellos mismos, "los tenía muertos en vida". Sin embargo, el dark como movimiento contracultural nació a principios de los 80´s y se consolidó a mediados de esa misma década en el siglo XX.
El dark junto con el gótico son unos de los movimientos contraculturales que más relación tienen con las bellas artes, ya que se pueden encontrar en la literatura, el teatro, la fotografía y la música.